gezwanzig

Geometrie als Sprache

Esther Stocker arbeitet mit Linien, Rastern und rechten Winkeln – ausschließlich in den Nichtfarben Schwarz und Weiß. Diese reduzierte visuelle Sprache ist kein Selbstzweck, sondern Mittel: Sie schafft die Voraussetzungen dafür, dass kleinste Eingriffe größtmögliche Wirkung entfalten können.

Ordnung und ihre Auflösung

Minimale Verschiebungen im Raster genügen, um das scheinbar Stabile ins Wanken zu bringen. Stocker nutzt die Robustheit geometrischer Formen, um die Bedingungen für ihre völlige Auflösung zu schaffen – das Raster, das Orientierung versprechen sollte, wird zum Instrument der Desorientierung.

System und Subversion

„Ich nutze die Präzision eines Systems, um das System selbst zu hinterfragen”, formuliert Stocker ihr Anliegen. Geometric Love lädt zu einer Reflexion ein, die über die Geometrie hinausgeht: über die Strukturen und Ordnungen, die unser Leben bewusst und unbewusst organisieren.

Zur Künstlerin

Esther Stocker, 1974 in Italien geboren, lebt und arbeitet in Wien. Sie gehört zu den profiliertesten Vertreterinnen eines zeitgenössischen geometrisch-konstruktivistischen Ansatzes und wird von der Galerie Krobath, Wien, vertreten.

geometry as a language

Esther Stocker works with lines, grids, and right angles—exclusively in the non-colors black and white. This reduced visual language is not an end in itself, but a means: it creates the conditions for the smallest interventions to have the greatest possible impact.

order and its dissolution

Minimal shifts in the grid are enough to destabilize what appears to be stable. Stocker uses the robustness of geometric forms to create the conditions for their complete dissolution—the grid, which was meant to provide orientation, becomes an instrument of disorientation.

system and subversion

“I use the precision of a system to question the system itself,” Stocker explains her approach. Geometric Love invites a reflection that goes beyond geometry: beyond the structures and orders that consciously and unconsciously organize our lives.

about the artist

Esther Stocker, born in Italy in 1974, lives and works in Vienna. She is one of the most prominent representatives of a contemporary geometric-constructivist approach and is represented by Galerie Krobath, Vienna.

Malerei als materielles Denken

Jakob Gasteiger ist eine Schlüsselfigur der radikalen Malerei – einer internationalen Kunstbewegung, die seit den 1980er Jahren die Grundlagen des Mediums hinterfragt. Seine Werke tragen keine Bilder oder Symbole; sie sind das direkte Ergebnis eines Prozesses: strukturiert mit gezahnten Werkzeugen, schichtweise aufgebaut, auf das Wesentliche reduziert.

Geste und Wiederholung

Anstelle des Pinselstrichs verwendet Gasteiger Schaber und Kammspachtel, um pigmentreiche Farbe zu rhythmischen Oberflächen zu verarbeiten. Jedes Gemälde dokumentiert einen konkreten Zeitraum und eine physische Handlung – Dauer, Materialität und Wiederholung werden sichtbar gemacht.

Malerei als Objekt

Seine Werke sind keine Fenster zur Welt, sondern autonome Flächen, die ihre eigene Präsenz behaupten. In dieser Reduktion liegt die Radikalität seines Ansatzes: Malerei als Denken in Materie und Struktur.

Über den Künstler

Jakob Gasteiger, geboren in Österreich, lebt und arbeitet in Wien. Er ist einer der führenden Vertreter der radikalen Malerei, und seine Werke befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen.

painting as material thinking

Jakob Gasteiger is a key figure in radical painting — an international art movement that has been questioning the foundations of the medium since the 1980s. His works do not carry images or symbols; they are the direct result of a process: structured with toothed tools, built up in layers, reduced to the essential.

gesture and repetition

In place of the brushstroke, Gasteiger uses scrapers and comb spatulas to work pigment-rich paint into rhythmic surfaces. Each painting documents a concrete span of time and a physical act — duration, materiality, and repetition made visible.

painting as object

His works are not windows onto the world, but autonomous surfaces that assert their own presence. In this reduction lies the radicality of his approach: painting as thinking in matter and structure.

about the artist

Jakob Gasteiger, born in Austria, lives and works in Vienna. He is one of the leading representatives of radical painting and his work is held in major international collections.

Eröffnung: Freitag, 12. Juni um 18 Uhr
Offenes Programm: Freitag, 19. und 26. Juni

Am Rande des 22. Bezirks gibt es einen Platz, den kaum jemand kennt – obwohl sein Name weltpolitische Bedeutung trägt: den Platz der Vereinten Nationen. Dort steht man vor der UN. Hier sagt niemand was, stark weht der Wind und alles ist still. Rundherum Hochhäuser, Glas, Beton, Sicherheitszonen, Kameras, Big Business und internationale Politik. Auf dem Platz selbst: eine schwarze Kirche mit einer durchlöcherten Fassade aus Stahl, der Innenraum aber ganz in Holz und voller Licht.

„UNPLATZ“ ist ein mehrjähriges Projekt, das durch künstlerisch-architektonische Installationen und performative Interventionen Öffentlichkeit schafft. Denn diesem Ort fehlt es nicht an Architektur, sondern an Bedeutung. Diskursräume und Pop-up-Formate setzen genau dort an und reflektieren die UNO-City nach 25 Jahren nicht mehr nur als Sicherheitszone und exterritorialen Raum, sondern als gemeinsamen Ort.

Ein Projekt von Milan Mijalkovic in Zusammenarbeit mit Galerie gezwanzig, Christine Hohenbüchler, und der Donaucity-Kirche.

Beteiligte KünstlerInnen:

Olum Ismael Ismet Basaran, Gregor Eldarb, Time Gates (Ben Gyula Fodor & Dorothee Frank), Gangart (Simonetta Ferfoglia, Heinrich Pichler), Heidulf Gerngross, Wolfgang Gärber, Armina Hatic, Franziska Helmreich, Hai Hogo, Christine & Irene Hohenbüchler, Parsa Khalili, Paul Kitzmüller, Thomas Kranabetter, Gerhard Leixl, Brigitte Mahlknecht, Milan Mijalkovic, Milan Mladenovic, Filip Lav Nikoljski, Julian Palacz, Elisabeth Penker, Roman Pfeffer, , Arnold Reinthaler, Teresa Reiter, Roland Reiter, Markus Benjamin Riedler, Angelo Rowenta, Isabella Salvo, Nino Sakandelidze, STATION ROSE, Céline Struger, Billi Thanner, Maria Vill, Laura Wegscheider, Lena Wendlandt, Osama Zatar.

Opening: Friday, June 12 at 6 p.m.
Public events: Friday, June 19 and 26

On the outskirts of the 22nd district lies a square that hardly anyone knows—even though its name carries global political significance: United Nations Plaza. There, you stand in front of the UN. Here, no one says a word; the wind blows strongly, and everything is silent. All around: skyscrapers, glass, concrete, security zones, cameras, big business, and international politics. On the square itself: a black church with a perforated steel façade, but an interior entirely of wood and filled with light.

“UNPLATZ” is a multi-year project that creates public engagement through artistic and architectural installations and performative interventions. For this place lacks not architecture, but meaning. Spaces for discourse and pop-up formats address precisely this, reflecting on the UN City after 25 years not merely as a security zone and extraterritorial space, but as a shared place.

A project by Milan Mijalkovic in collaboration with Galerie gezwanzig, Christine Hohenbüchler, and the Donaucity Church.

Participating artists:

Olum Ismael Ismet Basaran, Gregor Eldarb, Time Gates (Ben Gyula Fodor & Dorothee Frank), Gangart (Simonetta Ferfoglia, Heinrich Pichler), Heidulf Gerngross, Wolfgang Gärber, Armina Hatic, Franziska Helmreich, Hai Hogo, Christine & Irene Hohenbüchler, Parsa Khalili, Paul Kitzmüller, Thomas Kranabetter, Gerhard Leixl, Brigitte Mahlknecht, Milan Mijalkovic, Milan Mladenovic, Filip Lav Nikoljski, Julian Palacz, Elisabeth Penker, Roman Pfeffer, , Arnold Reinthaler, Teresa Reiter, Roland Reiter, Markus Benjamin Riedler, Angelo Rowenta, Isabella Salvo, Nino Sakandelidze, STATION ROSE, Céline Struger, Billi Thanner, Maria Vill, Laura Wegscheider, Lena Wendlandt, Osama Zatar.

Sabine Bitter und Helmut Weber präsentieren drei fotografische Arbeiten in drei verschiedenen Medien. Z_orb (2000) ist eine kurze digitale Videoarbeit, De Facto (1989/1991) ist eine analoge Fotografie, die durch einen Gelfilter gerendert wurde, und Yazd, Iran (2005) ist eine analoge Fotografie, die als Jacquard-Webung in einer Weberei in der Textilregion Oberösterreich realisiert wurde.

Diese drei materiellen Arbeiten sind durch Bitter/Webers langjährige Praxis der reflektierenden Fotografie verbunden, einer Praxis, die das Potenzial der Fotografie, die zeitgenössische Bildpolitik und die Sozialität des Sehens sowohl hinterfragt als auch nutzt. Diese Arbeiten erweitern das Potenzial der Fotografie, indem sie das Bild durch seine Produktion und Präsentation vermitteln. Gleichzeitig positionieren diese Arbeiten den Betrachter innerhalb des Prozesses des Sehens und der Vermittlung.

Diese Werke, die über drei prägende Jahrzehnte hinweg – von Mitte der 1980er Jahre bis 2005 – entstanden sind, verorten die Fotografie in den Strömungen des sozialen und kulturellen Wandels, sowohl hinsichtlich dessen, was abgebildet wird, als auch hinsichtlich der Art und Weise, wie dies vermittelt und materialisiert wird. Die Videoarbeit Z_orb fängt die Erfahrung eines Körpers ein, der in einem aufblasbaren Plastikball rollt – eine kritische und zugleich humorvolle Auseinandersetzung mit der Aneignung der aufblasbaren Architektur der 1970er- und 1980er-Jahre durch die Freizeitwirtschaft und deren Individualisierung von Erfahrungen. De Facto ist eine analoge Bilderserie, die aus Auto- oder Zugfenstern aufgenommen wurde und Infrastrukturgebäude vorwiegend in ehemaligen Ostblockländern im Moment dieses geopolitischen Wandels zeigt; das Bild wird durch die Verwendung eines Gelfilters verändert, der die Fotografie in ein Gemälde verwandelt, indem er Pinselstriche auf der Bildoberfläche nachahmt. Diese Fotografien dokumentieren als historische Gemälde eine Begegnung mit der Auflösung der Räume und der Architektur des ehemaligen Ostblocks. Yadz, Iran, fotografiert analog den Blick aus einem Fenster mit seinem dekorativen Gitter in Pīr-e Sabz – einem Pilgerort für Zoroastrier – und verwandelt ihn in ein Jacquard-Gewebe, ein Verfahren, das das Bild in eine der ältesten Formen der materiellen Produktion überführt und so die Zeitlichkeiten der Bildproduktion miteinander verknüpft.

Curated by Walter Seidl

Sabine Bitter and Helmut Weber present three photographic works in three different mediums. Z_orb (2000) is a short digital video work, De Facto (1989/1991) is an analogue photograph mediated by a gel filter and Yazd, Iran (2005) is an analog photograph materialized as a jacquard weaving produced in a mill in the textile region of Upper Austria.

These three material works are linked by Bitter/Weber’s longstanding practice of reflective photography, a practice that both questions and works within the potential of photography, contemporary image politics, and the sociality of seeing. These works expand upon the potential of photography by mediating the image through its production and presentation. At the same time, these works position the viewer within the process of seeing and mediation.

Created over three formative decades, from the mid-1980s to 2005, these works place photography within the currents of social and cultural change both in what is pictured, how it is mediated, and how it is materialized. The video work Z_orb, captures the experience of a body rolling in an inflatable plastic ball, a critical yet humorous take on the appropriation of inflatable architecture of the 1970s/80s by the leisure economy and its individualization of experience. De Facto is an analogue series of images taken from car or train windows of infrastructural buildings in mostly former east Bloc Countries at the moment of that geopolitical shift and the image is altered by the use of a gel filter that transforms the photograph into a painting by mimicking brushstrokes on the image surface. These photographs as historical paintings document an encounter with the dissolution of the spaces and architecture of the former East Bloc. Yadz, Iran takes an analog photograph of the view from a window, with its decorative screen in Pīr-e Sabz – a pilgrimage site for Zoroastrians – and transforms it into a jacquard weaving, a process that moves the image into one of the oldest forms of material production, linking the temporalities of image production.

Curated by Walter Seidl

Performance, Video, Fotografie und plastische Form: Kata Oelschlägel erkundet den Körper durch Material, Eingriff und Verwandlung. Faden und Nadel werden zum zentralen Werkzeug – das Nähen als Geste der Verbindung, der Wiederherstellung, aber auch der Verletzung. Ihre Harzskulpturen, durchzogen und zusammengehalten von Fäden, bilden transparente körperliche Architekturen, in denen Bewegung und Spannung sichtbar werden. Der Schnitt wird zur Linie, der Stich zur zeichnerischen Geste.

sewn together ist Kata Oelschlägels erste solo Ausstellung in Kooperation mit page84.

Die Ausstellung ist nur von außen einsehbar, Termine können per E-Mail an office@gezwanzig.com vereinbart werden.

Margaretenstraße 101, 1050 Wien

Performance, video, photography, and sculptural form: Kata Oelschlägel explores the body through material, intervention, and transformation. Thread and needle become her central tools—sewing as a gesture of connection, restoration, but also injury. Her resin sculptures, interwoven and held together by threads, form transparent bodily architectures in which movement and tension become visible. The cut becomes a line; the stitch, a gestural mark.

sewn together is Kata Oelschlägel’s first solo exhibition in collaboration with page84.

The exhibition is viewable only from the outside; appointments can be made by emailing office@gezwanzig.com.

Margaretenstraße 101, 1050 Vienna