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Gezwanzig präsentiert Diffractions, eine Einzelausstellung des iranisch–amerikanischen Künstler–Architekten Parsa Khalili in Wien.Khalilis Arbeit begreift Malerei als ein alternatives Medium zur Erzeugung von Raum und Form.

Diffractions vereint eine Werkgruppe, die Khalilis fortlaufende Auseinandersetzung mit der Frage vertieft, wie Licht, Farbe und Geometrie durch malerische Prozesse neu konfiguriert werden können, um architektonische Räume hervorzubringen. Geometrie fungiert dabei nicht als starres Ordnungsprinzip, sondern als ein offenes, bewegliches System, in dem räumliche Felder verwischen,  aufbrechen oder neu artikuliert werden.

Aus einfachen Volumina entstehen durch Prozesse der Beugung und Auflösung neue räumliche Konstellationen, in denen Form in einem Zustand produktiver Ambivalenz gehalten wird. Kanten zerfallen, verschieben sich oder falten sich in benachbarte Flächen hinein, sodass Form zugleich Präsenz im Raum behauptet und sich in diesen auflöst. Diese Operationen sind nicht bloß optischer Natur, sondern verweisen auf das Verhalten gebauter Räume unter Spannung. Sie machen sichtbar, wie architektonische Logiken brechen, sich ausdehnen und in neue Gefüge gleiten. Grenzen, die einst Form stabilisierten, werden zu Schwellen, die Geometrie in einen Zustand der Unbestimmtheit überführen.

Farbe fungiert innerhalb dieses Systems als struktureller Code. Durch ihre Verschiebung und Entkopplung beginnen Formen, ihre erwarteten Grenzen zu überschreiten. Lichtverläufe gleiten über die Oberflächen und erzeugen Atmosphäre aus Geometrie heraus. Die entstehenden Bildräume oszillieren zwischen Klarheit und Ungewissheit und präsentieren Raum als etwas zugleich Erkennbares und Werdendes.

In dieser Werkgruppe wird Raum nicht gebaut, sondern freigelegt und neu zusammengesetzt. Geometrie wird durchlässig, Licht wird wirksam. Malerei wird zu einem Ort, an dem Architektur in veränderter, diffuser und gebrochener Form wieder erscheint.

Gezwanzig proudly presents Diffractions, a solo exhibition by Iranian-American artist-architect Parsa Khalili in Vienna. Khalili’s work explores painting as an alternate medium for creating space and form.

Diffractions brings together a body of work that continues Khalili’s investigations into how light, color, and geometry can be reconfigured through painting to conjure architectural space. Here, geometry becomes generative not as a static framework but as a flexible system in which spatial fields are blurred, broken, or rearticulated.

Simple volumes are regenerated through processes of diffraction and dissociation, producing conditions in which form is held in ambivalent tension. Edges disintegrate, dislocate, and fold into adjacent fields, allowing form to both assert itself in space and dissolve into space. These operations are not merely optical; they model how built space behaves under pressure, discerning how architectural logics fracture, radiate, and slip into new alignments. Borders that once stabilized form become thresholds, orienting geometry toward a state of indeterminacy.

Color functions as a structural code within this system, and through its recalibration and disassociation, forms begin to exceed their expected boundaries. Light gradients slip across surfaces, generating atmosphere from geometry. The resulting visions oscillate between clarity and uncertainty, presenting space as something partially known and partially emergent.

In this constellation of works, space is not built; it is revealed and recomposed. Geometry becomes porous and light becomes operative. Painting becomes a site in which architecture reappears in altered, diffused, and refracted form.

Die Galerie gezwanzig präsentiert eine neue Ausstellung Fracture – Bruch, die aktuelle Arbeiten der Bildhauerin Elisabeth Penker mit Peter Kraus verbindet. Zur Eröffnung am 20. Jänner gestaltet Kraus eine Sound – Performance , die den Ausstellungsraum akustisch aktiviert. Ergänzt wird die Ausstellung durch ausgewählte Werke von Anna Mitterer.

Ausgangspunkt der Ausstellung ist das Spannungsfeld von Bruch und Kontinuität. Elisabeth Penkers skulpturale Arbeiten untersuchen kulturelle Formen, Materialsysteme und deren Transformation. Fragmentierung, Umformung und Hybridisierung sind zentrale Elemente ihrer Praxis. In Fracture – Bruch treten diese visuellen Strukturen in einen Dialog mit Klang und Raum.

Peter Kraus arbeitet medienübergreifend an der Schnittstelle von Installation, Sound, Video und Fotografie. Seine Soundart versteht den Raum als temporäres System, das sich während der Eröffnung performativ verdichtet und wieder auflöst. Die Eröffnungsperformance bildet einen zentralen Moment der Ausstellung.

Die Arbeiten von Anna Mitterer erweitern den Raum um eine weitere Perspektive. In Zeichnung, Film und Malerei beschäftigt sie sich mit Zeit, Erinnerung und Blickregimen – oft mit Anleihen an filmische oder theatrale Situationen.

Fracture – Bruch schafft einen konzentrierten Ausstellungsraum, in dem Skulptur, Klang und Bild aufeinandertreffen und sich gegenseitig präzisieren.

Gallery gezwanzig presents a new exhibition, Fracture – Bruch, which combines current works by artist Elisabeth Penker with sound art by Peter Kraus. For the opening on January 20, Kraus will create a performative sound work that acoustically activates the exhibition space. The exhibition is complemented by selected works by Anna Mitterer.

The starting point for the exhibition is the tension between rupture and continuity. Elisabeth Penker’s sculptural works explore cultural forms, material systems, and their transformation. Fragmentation, transformation, and hybridization are central elements of her practice. In Fracture – Bruch, these visual structures enter into a dialogue with sound and space.

Peter Kraus works across media at the interface of installation, sound, video, and object. His sound art understands space as a temporary system that condenses and dissolves again during the opening. The opening performance is a central moment of the exhibition.

Anna Mitterer’s works expand the space with another perspective. In drawing, film, and painting, she deals with time, memory, and regimes of gaze – often borrowing from cinematic or theatrical situations.

Fracture – Bruch creates a concentrated exhibition space in which sculpture, sound, and image meet and clarify each other.

Der in Dornbirn geborene (*1953) und in Wien lebende Künstler Franz Türtscher zeigt ab 10. März seine neue Ausstellung „Option” in der Leopoldstraße 41 in Innsbruck. Die Schau präsentiert Werke zwischen konkreter Kunst, Schriftbildern und räumlichen Bildarchitekturen.

Bildarchitektur – Offener Rahmen

Zentral ist die Werkgruppe „Bildarchitektur – Offener Rahmen”. Türtscher entwickelt räumlich-reliefartige Bildstrukturen mit Modulcharakter. Sein nach oben offener Rahmen reflektiert den Umraum mit. Geometrische Elemente werden in Aluminiumrahmen wie Module zu dreidimensionalen Wandobjekten gefügt – ein System für Wandel und Veränderbarkeit.

Bild gewordene Schrift

Durch collageartige Wortkombinationen wie „KUNST FORM POESIE” entstehen spannungsgeladene Gefüge. Fehlende Zwischenräume lassen die Typografie zu heterogenen Flächen verschmelzen, die erst auf den zweiten Blick zu entziffern sind. Die Lettern verwandeln sich zu einem Liniengeflecht – Bild gewordene Schrift.

Born in Dornbirn (*1953) and living in Vienna, artist Franz Türtscher will be showing his new exhibition “Option” at Leopoldstraße 41 in Innsbruck from March 10. The show presents works ranging from concrete art to typography and spatial image architectures.

Image architecture – open frame

The central focus is the group of works entitled “Image architecture – open frame.” Türtscher develops spatial, relief-like image structures with a modular character. His open-top frame reflects the surrounding space. Geometric elements are assembled in aluminum frames like modules to form three-dimensional wall objects – a system for change and variability.

Writing turned into images

Collage-like word combinations such as “KUNST FORM POESIE” (ART FORM POETRY) create tension-filled structures. Missing spaces allow the typography to merge into heterogeneous surfaces that can only be deciphered at second glance. The letters are transformed into a network of lines – writing turned into images.

Measurement systems from different periods and cultural areas have accumulated in Roman Pfeffer’s studio. What they have in common is that they are calibrated in ‘metres’ or ‘inches’. It is only when they are used that they reveal their potential: taking measurements, putting things in relation to each other – and in some cases to oneself – and discovering parameters in the diversity of the world around us. These activities fascinated Pfeffer from an early age. He alternates between the ‘sensual’ approach to the concrete, the precision of measurement, and the abstraction of comparison.

With his work ‘ID’ (2026), Roman Pfeffer questions current visual identity coding systems. He transfers the globally used acronym ID onto square concrete slabs measuring 32 × 32 cm. They are arranged in four rows of 5 units each, one above the other. The body of the signs is left as grey industrial-grade concrete.

With their tactile stone surfaces, they stand out against the colourful, opaque background in light turquoise. The multi-part image object, whose perfect craftsmanship reveals no personal signature, appears as an abstract, mosaic-like composition of various movable colour surfaces. However, it remains hermetically sealed to the casual observer. There is a calculated reason behind this: contrary to the usual reading direction in Europe, Roman Pfeffer has rotated every second panel 90° to the left around its own axis. The linear reference system of the letter sequence is severed, an agreed order is disrupted, and abstraction occurs on several levels. With a simple act of rearrangement, the acronym ‘ID’ is deconstructed, along with all the ideas that it might evoke.

At the same time, Roman Pfeffer leads us down the opposite path with the conventionally readable title ‘ID,’ which claims that it is a reference to the self. In dealing with the contradictory signals emanating from the image object, the title and the evoked notions of identity, the fragility of identity coding is brought to light and, even more so, the fundamental question is raised as to whether identity can be coded at all.

Text: Heidrun Rosenberg